Tranh trường phái trừu tượng là một phong cách hội họa không đòi hỏi quy chuẩn cứng nhắc và gò bó của hội họa truyền thống. Thay vì tập trung vào các chủ đề tạo hình và tượng trưng, phong cách này chú trọng vào màu sắc, kết cấu và cảm xúc. Ngoài ra, họa sĩ ấn tượng cũng quan tâm đến quá trình thực hiện hơn là sản phẩm cuối cùng.
Nội dung
Top 8 bức tranh trường phái trừu tượng
Khám phá những gương mặt nổi bật của hội họa trừu tượng, nghiên cứu về phong cách độc đáo, lối tiếp cận khác biệt và đóng góp của họ cho nghệ thuật trừu tượng. Hãy cùng tìm hiểu thêm về một phong cách hội họa thú vị này ngay bây giờ!
Composition 8 (1923)
Wassily Kandinsky là một trong những họa sĩ trừu tượng hàng đầu hiện nay. Ông tập trung vào sức mạnh của cảm xúc và tâm trí, không để ý đến danh vọng hay việc được công nhận, và không quan tâm đến những gì mà thời đại đang yêu cầu.
Phong cách tiên tiến này đã giúp ông tạo ra những tác phẩm tượng trưng độc đáo, được thể hiện qua các hình dạng, đường nét và màu sắc đậm chất nghệ thuật.
Composition 8 (1923) Ảnh: The Guggenheim
Trong Tác phẩm Composition 8, các hình học đầy màu sắc và tương tác tạo thành một bề mặt đập nhịp, xen kẽ giữa sự năng động và yên tĩnh, quyết liệt và tĩnh lặng. Tầm quan trọng của những hình tròn trong bức tranh này tiên đoán cho vai trò chiếm ưu thế của chúng trong nhiều tác phẩm sau này, đến đỉnh cao trong tác phẩm hài hòa và toàn cầu của ông, Several Circles.
“Hình tròn” Kandinsky khẳng định, “là tổng hợp của những sự đối lập tuyệt vời nhất. Nó kết hợp giữa tâm và vị trí không tâm trong một hình thức đơn và cân bằng. Trong ba hình dạng cơ bản, nó chỉ ra rõ nhất về chiều thứ tư.”
Trafalgar Square (1939-43)
Trong lịch sử hội họa, Họa sĩ Hà Lan Piet Mondrian đã đóng vai trò tiên phong trong phong cách De Stijl, còn được gọi là neoplasticism. Phong cách này sử dụng các hình dạng và tông màu tối giản như đường kẻ và các gam màu căn bản.
Vào thời điểm đó, neoplasticism đã trở thành một phong trào hội họa quan trọng, và cũng đã ảnh hưởng đến các tác phẩm của Mondrian. Mondrian cho rằng mọi thứ đều phải gắn kết với nhau, bởi chỉ khi đó, màu sắc mới có thể tồn tại, tương tự như chiều và vị trí. Hy vọng bạn cảm thấy thân thiện và dễ hiểu hơn về nghệ sĩ này.
Trafalgar Square (1939-43) Ảnh: MoMA
Phong cách của Mondrian có thể được nhận ra ngay lập tức. Mặc trang phục toàn màu trắng và sử dụng băng keo điện màu để tạo lưới De Stijl.
Vào tháng 9 năm 1938, Mondrian chuyển từ Paris đến London để tránh khỏi nguy cơ xâm lược của Đức. Tại đây, ông đã sáng tác bức tranh Trafalgar Square, đó cũng là bức tranh đầu tiên trong chuỗi các tác phẩm được đặt tên theo các địa điểm trong thành phố mà ông tìm thấy ở trong thời kỳ chiến tranh thế giới II. Các mảnh màu chính trong bức tranh được bao quanh bởi viền đen và tạo ra sự rung động một cách tinh tế và nhỏ bé.
Các mảnh màu này được sắp xếp một cách đồng điệu hơn so với những tác phẩm trước đây của họa sĩ: các đoạn màu mở rộng sang hai khung hình chữ nhật trong lưới đen lớn hơn, và các khối đen dày hơn được sử dụng như là đường viền và mặt phẳng (ở góc dưới bên phải, ví dụ). Trên khung tranh gốc được khắc chữ “39-43”, cho thấy Mondrian đã tái thăm lại bức tranh này sau khi ông di cư đến New York vào năm 1940 để tránh chiến tranh leo thang.
Autumn Rhythm (Number 30)
Autumn Rhythm được thực hiện vào mùa thu năm 1950 tại xưởng vẽ của Pollock ở Springs, New York , như một phần của nhóm tranh ông trưng bày lần đầu tiên tại Phòng trưng bày Betty Parsons vào tháng 11 đến tháng 12 năm 1951.
Kỹ thuật vẽ của Pollock, như những công việc khác được thực hiện trong giai đoạn này của sự nghiệp của anh ấy, bao gồm làm việc trên tấm vải bạt không sơn lót đặt trên sàn xưởng vẽ của anh ấy, đổ sơn từ hộp hoặc sử dụng gậy, cọ có tải nặng và các dụng cụ khác để điều khiển dòng sơn khi anh ấy nhỏ giọt và ném nó lên bức tường. Với chiều rộng 17 foot và cao 8 foot , Autumn Rhythm là một trong những bức tranh lớn nhất của Pollock.
Autumn Rhythm (Number 30) Ảnh: Wiki
Họa sĩ người Mỹ Jackson Pollock đã đóng một vai trò rất quan trọng trong việc phát triển trào lưu tranh trường phái trừu tượng biểu tượng (Abstract Expressionism) sau chiến tranh. Trào lưu này được biểu hiện bởi các nét vẽ phóng khoáng, ngẫu nhiên và kết cấu mạnh mẽ, tạo nên những bức tranh độc đáo và ấn tượng. Để tạo ra những tác phẩm nghệ thuật này, Pollock đã phải sử dụng các loại màu sắc công nghiệp và áp dụng chúng bằng cách hắt, đổ và văng trực tiếp lên các bức tranh canvas lớn được đặt nằm trên sàn.
PH-973
PH-973 (1959) Ảnh: SFMOMA
Cùng với Pollock, Clyfford Still đã đóng góp không ít cho việc phát triển tranh trường phái trừu tượng trở thành một thể loại nghệ thuật nổi bật. Bắt đầu với các tác phẩm đại diện, nhưng sau đó ông đã chuyển sang hội họa trừu tượng vào những năm 1940. Các tác phẩm nổi tiếng của ông là những bức tranh sơn dầu khổ lớn với các hình răng cưa kề nhau.
Mặc dù ông nổi tiếng với phong cách độc đáo này, nhưng ông không muốn tác phẩm của mình chỉ xoay quanh cảm nhận truyền thống về nghệ thuật. Ông muốn tất cả các yếu tố kết hợp với nhau tạo thành một linh hồn sống, không chỉ là màu sắc, kết cấu hay hình dạng.
Mahoning (1956)
Franz Kline là một họa sĩ tài ba với các bức tranh mang đậm nét ấn tượng, sôi động và phóng khoáng. Từ những tác phẩm đơn sắc đen trắng đến những bức tranh đầy màu sắc tươi tắn, các tác phẩm của ông thể hiện rõ sự tiến bộ trong phong cách hội họa của ông. Những đường vẽ quyến rũ và đầy sức sống của ông sẽ chắc chắn khiến bạn cảm thấy thích thú khi chiêm ngưỡng chúng.
Mahoning (1956) Ảnh: Gallery Intell
“Kể từ năm 1949… tôi chủ yếu làm việc với sơn hoặc mực đen trắng trên giấy. Trước đó, tôi đã lên kế hoạch vẽ các tác phẩm bằng cọ và mực bằng cách sử dụng các hình thức tượng hình và các vật thể thực có màu.
Tác phẩm đầu tiên chỉ có màu đen và trắng dường như liên quan đến các hình vẽ, và tôi đã đặt tên cho chúng như vậy. Sau đó, các kết quả dường như biểu thị điều gì đó – nhưng rất khó để đưa ra chủ đề hoặc tên gọi, và hiện tại tôi thấy không thể đưa ra tuyên bố trực tiếp, bằng lời về các bức tranh đen trắng.”
Composition (1955)
Tác phẩm của nam họa sĩ người Mỹ gốc Hà Lan Willem do Kooning thường mang tính tranh trường phái trừu tượng, tuy nhiên vẫn bị ảnh hưởng bởi hội họa tượng hình một phần. Những bức tranh sơn dầu của ông đậm chất màu sắc, có nét vẽ dày đặc, đứt gãy và hình dạng méo mó. Tất cả này đã tạo nên những tác phẩm đặc sắc, đầy sáng tạo của nam họa sĩ.
Composition (1955). Ảnh: Guggenheim
Bức tranh “Composition” được xem là một cầu nối giữa bộ sưu tập “Women” và loạt tác phẩm tiếp theo của de Kooning, được phân loại bởi nhà phê bình Thomas Hess là “Abstract Urban Landscapes” (1955-58). Theo nghệ sĩ, “phong cảnh nằm trong bức họa ‘Women’ và cũng có ‘Women’ trong các phong cảnh.”
Thực sự, “Composition” đọc như một bức họa phụ nữ bị che giấu bởi cách vẽ náo nhiệt của de Kooning, màu sắc đối kháng và cả sự sắp đặt tổng thể không có góc nhìn cố định. Được hoàn thành khi nghệ sĩ có một studio tại trung tâm New York, những nét vẽ mạnh mẽ màu đỏ, xanh lơ và vàng sáng trên “Composition” gợi nhớ đến tốc độ hối hả của cuộc sống đô thị, mà không đại diện cho bất kỳ cư dân hoặc hình dạng thành thị nào.
Canyon (1965)
Helen Frankenthaler là một nghệ sĩ họa sinh ra tại New York, và cũng là một trong những nhân vật quan trọng trong trường phái Biểu hiện Trừu tượng. Bà đã sử dụng kỹ thuật nhuộm màu để tạo ra bộ sưu tập tranh tường màu đầy màu sắc. Để đạt được hiệu ứng trong mờ như màu nước, Frankenthaler đã sử dụng sơn pha loãng với nhựa thông. Với nghệ sĩ này, việc thực hiện tranh cũng quan trọng không kém việc tạo ra sản phẩm cuối cùng.
Canyon (1965) Ảnh: The Phillips Collection
Bức tranh Canyon, được tạo năm 1965, tập trung một cụm màu đỏ sôi động và sáng tạo, được bao quanh bởi màu xanh lá đậm hơn và mát mẻ hơn ở ba phía, nhưng phía trên của bức tranh lại được để trống. Có vẻ như nghệ sĩ đã tạo cho màu đỏ một không gian để thoát ra hoặc tràn vào.
Canyon được tạo ra bằng cách đổ và rải màu acrylic trên một bề mặt vải không được phủ lớp gesso hay xử lý bất kỳ cách nào, để cho phép sự thấm sâu của màu vào sợi vải. Điều này có phần tiến hóa từ phong cách nhỏ giọt của Jackson Pollock và được biết đến như là hội họa Color Field – mặc dù Clement Greenberg, nhà phê bình được xác định nhiều nhất với phong cách này, gọi nó là Trừu tượng hóa Sau Hội họa sơn.
Orange and Yellow, 1956
Orange and Yellow, 1956. Ảnh: markrothko.org
Giống như Frankenthaler, Rothko cũng tạo ra những bức tranh Color Field đầy màu sắc và sáng tạo. Tuy nhiên, khác với Frankenthaler, các khối màu trong tác phẩm của Rothko được bố trí một cách rõ ràng hơn. Mặc dù được coi là một trong những nghệ sĩ trừu tượng vĩ đại, Rothko không thích những danh xưng này.
Ông chia sẻ: “Tôi không theo chủ nghĩa tranh trường phái trừu tượng. Tôi không quan tâm đến sự tương quan giữa màu sắc, hình thức hoặc bất cứ thứ gì khác. Tôi chỉ muốn thể hiện những cảm xúc cơ bản của con người như bi kịch, tinh thần phấn chấn hay sự tàn tạ v.v.”
Bức tranh “Orange and Yellow” phản ánh phong cách trưởng thành của Mark Rothko, trong đó hai hoặc ba hình chữ nhật được đặt trong nền tảng bao quanh chúng, nhưng nhẹ nhàng phân chia chúng với nhau. Các cạnh của hình chữ nhật không bao giờ rõ ràng, tránh gây ra sự gián đoạn quang học và cho phép mắt người xem di chuyển một cách êm dịu từ khu vực này sang khu vực khác một cách tĩnh lặng.
Rothko không muốn chúng ta nghĩ đến ông khi nhìn vào các bức tranh của mình, vì vậy ông cố gắng loại bỏ tất cả các dấu hiệu của quá trình sáng tác. Để làm được điều này, ông sử dụng nhiều lớp sơn mỏng với cọ hoặc khăn lau lên bề mặt vải sơn chưa được xử lý, vì vậy màu sắc được thấm vào sợi vải. Nhiều lớp sơn mỏng giúp cho các bức tranh của ông trở nên nhẹ nhàng và sáng sủa, như thể chúng phát sáng từ bên trong.
Tổng kết
Top 8 bức tranh trường phái trừu tượng đã thay đổi cách nhìn về hội họa với sự táo bạo và sáng tạo của các họa sĩ. Những tác phẩm nghệ thuật này đã không chỉ làm nổi bật sự đột phá trong kỹ thuật và sáng tạo mà còn mở ra một thế giới mới của nghệ thuật.
Nếu bạn là một người yêu nghệ thuật và muốn sở hữu một trong những tác phẩm nghệ thuật đặc biệt này, hãy tham khảo các địa điểm bán hàng uy tín để tìm kiếm một bức tranh trừu tượng phù hợp với sở thích của bạn. Mua một tác phẩm nghệ thuật đích thực không chỉ là việc sở hữu một món đồ trang trí đẹp mà còn là một sự đầu tư về nghệ thuật và văn hóa. Hãy khám phá và trải nghiệm những giá trị tuyệt vời mà những tác phẩm tranh trừu tượng hiện đại có thể mang đến cho cuộc sống của bạn.
